Ciekawy

Geneza i szkoły sztuki abstrakcyjnej

Geneza i szkoły sztuki abstrakcyjnej


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Sztuka abstrakcyjna (czasami nazywana sztuką nieobiektywną) jest obrazem lub rzeźbą, która nie przedstawia osoby, miejsca ani rzeczy w świecie przyrody. W sztuce abstrakcyjnej przedmiotem pracy jest to, co widzisz: kolor, kształty, pociągnięcia pędzlem, rozmiar, skala, a w niektórych przypadkach sam proces, jak w przypadku malowania akcji.

Artyści abstrakcyjni starają się być nieobiektywni i niereprezentatywni, pozwalając widzowi interpretować znaczenie każdego dzieła na swój własny sposób. Zatem sztuka abstrakcyjna nie jest przesadzonym lub zniekształconym spojrzeniem na świat, jak widzimy w kubistycznych obrazach Paula Cézanne'a (1839–1906) i Pabla Picassa (1881–1973), ponieważ prezentują one rodzaj konceptualnego realizmu. Zamiast tego forma i kolor stają się przedmiotem i przedmiotem utworu.

Podczas gdy niektórzy mogą twierdzić, że sztuka abstrakcyjna nie wymaga technicznych umiejętności sztuki reprezentacyjnej, inni zaczęliby się różnić. Rzeczywiście stał się jedną z głównych debat w sztuce współczesnej. Jak ujął to rosyjski artysta abstrakcyjny Wasilij Kandinsky (1866–1944):

„Ze wszystkich dziedzin sztuki malarstwo abstrakcyjne jest najtrudniejsze. Wymaga dobrego rysowania, dużej wrażliwości na kompozycję i kolory oraz bycia prawdziwym poetą. To ostatnie jest niezbędne”.

Początki sztuki abstrakcyjnej

Historycy sztuki zazwyczaj określają początek XX wieku jako ważny historyczny moment w historii sztuki abstrakcyjnej. W tym czasie artyści pracowali nad stworzeniem czegoś, co określali jako „czystą sztukę”: dzieł twórczych, które nie były oparte na percepcji wizualnej, ale na wyobraźni artysty. Wpływowe dzieła z tego okresu to „Obraz z kołem” Kandinsky'ego z 1911 r. I „Caoutchouc”, stworzony przez francuskiego awangardowego artysty Francisa Picabię (1879–1953) w 1909 r.

Korzenie sztuki abstrakcyjnej sięgają jednak znacznie dalej. Artyści związani z takimi ruchami, jak XIX-wieczny impresjonizm i ekspresjonizm eksperymentowali z ideą, że malarstwo może uchwycić emocje i podmiotowość. Nie musi po prostu skupiać się na pozornie obiektywnych spostrzeżeniach wizualnych. Idąc jeszcze dalej, wiele starożytnych malowideł naskalnych, wzorów tkanin i wzorów garncarskich uchwyciło symboliczną rzeczywistość, zamiast próbować przedstawiać przedmioty tak, jak je widzimy.

Wcześni wpływowi artyści abstrakcyjni

Kandinsky jest często uważany za jednego z najbardziej wpływowych artystów abstrakcyjnych. Widok tego, jak jego styl ewoluował od sztuki reprezentacyjnej do czystej sztuki abstrakcyjnej na przestrzeni lat, jest fascynującym spojrzeniem na cały ruch. Sam Kandinsky był biegły w wyjaśnianiu, w jaki sposób abstrakcyjny artysta może używać koloru, aby dać pozornie bezsensowny cel pracy.

Kandinsky wierzył, że kolory wywołują emocje. Czerwony był żywy i pewny siebie; zieleń była spokojna z wewnętrzną siłą; niebieski był głęboki i nadprzyrodzony; żółty może być ciepły, ekscytujący, niepokojący lub całkowicie wściekły; i biały wydawał się cichy, ale pełen możliwości. Przypisał także dźwięki instrumentów pasujące do każdego koloru. Czerwień brzmiała jak trąbka; zielony brzmiał jak skrzypce w środkowej pozycji; jasnoniebieski brzmiał jak flet; ciemnoniebieski brzmiał jak wiolonczela, żółty brzmiał jak fanfara trąb; biały brzmiał jak pauza w harmonijnej melodii.

Te analogie do dźwięków wynikały z uznania Kandinsky'ego dla muzyki, zwłaszcza dzieł współczesnego wiedeńskiego kompozytora Arnolda Schoenberga (1874–1951). Tytuły Kandinsky'ego często odnoszą się do kolorów w kompozycji lub do muzyki, na przykład „Improwizacja 28” i „Kompozycja II”.

Francuski artysta Robert Delaunay (1885–1941) należał do Blue Rider Kandinsky'ego (Die Blaue Reiter) Grupa. Wraz z żoną, urodzoną w Rosji Sonia Delaunay-Turk (1885–1979), oboje dążyli do abstrakcji w swoim własnym ruchu, sierotyzmie lub ormianizmie.

Przykłady sztuki abstrakcyjnej i artystów

Obecnie „sztuka abstrakcyjna” jest często terminem obejmującym szeroki zakres stylów i ruchów artystycznych. Obejmuje to sztukę niereprezentatywną, sztukę nieobiektywną, ekspresjonizm abstrakcyjny, informacja o sztuce (forma sztuki gestów), a nawet niektórych op-artów (sztuka optyczna, odnosząca się do sztuki wykorzystującej złudzenia optyczne). Sztuka abstrakcyjna może być gestykulowana, geometryczna, płynna lub sugerująca w formie graficznej rzeczy, które nie są wizualne, takie jak emocje, dźwięk lub duchowość.

Choć sztukę abstrakcyjną kojarzymy z malarstwem i rzeźbą, może ona odnosić się do dowolnego medium wizualnego, w tym do montażu i fotografii. Jednak to malarze zwracają największą uwagę w tym ruchu. Jest wielu wybitnych artystów reprezentujących różne podejścia do sztuki abstrakcyjnej, którzy wywarli znaczny wpływ na sztukę współczesną.

  • Carlo Carrà (1881–1966) był włoskim malarzem najbardziej znanym ze swojej pracy w Futuryzmie, formie sztuki abstrakcyjnej, która podkreślała energię i szybko zmieniającą się technologię początku XX wieku. W trakcie swojej kariery pracował również w kubizmie, a wiele jego obrazów było abstrakcjami rzeczywistości. Jednak jego manifest „Malarstwo dźwięków, hałasów i zapachów” (1913) wpłynął na wielu abstrakcyjnych artystów. To tłumaczy jego fascynację synestezją, sensualnym skrzyżowaniem, w którym na przykład „wącha się” kolor, który jest sercem wielu dzieł abstrakcyjnych.
  • Umberto Boccioni (1882–1916) był kolejnym włoskim futurystą, który skupiał się na formach geometrycznych i był pod silnym wpływem kubizmu. Jego prace często przedstawiają ruch fizyczny, jak widać w „stanach umysłu” (1911). Ta seria trzech obrazów ukazuje ruch i emocje stacji kolejowej, a nie fizyczne przedstawienie pasażerów i pociągów.
  • Kazimierz Malewicz (1878–1935) był rosyjskim malarzem, którego wielu opisuje jako pioniera geometrycznej sztuki abstrakcyjnej. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest „Czarny kwadrat” (1915). Jest to uproszczone, ale absolutnie fascynujące dla historyków sztuki, ponieważ, jak analizuje Tate, „po raz pierwszy ktoś zrobił obraz, który nie był z czegoś”.
  • Jackson Pollock (1912–1956), amerykański malarz, jest często podawany jako idealna reprezentacja ekspresjonizmu abstrakcyjnego lub malarstwa akcji. Jego praca to coś więcej niż kroplówki i plamy farby na płótnie, ale w pełni gestykulacyjne i rytmiczne, często stosowane bardzo nietradycyjne techniki. Na przykład „Full Fathom Five” (1947) to olej na płótnie stworzony częściowo z haczyków, monet, papierosów i wielu innych. Niektóre z jego prac, takie jak „There Were Seven in Eight” (1945), są ogromne i mają ponad osiem stóp szerokości.
  • Mark Rothko (1903–1970) przeniósł geometryczne abstrakty Malewicza na nowy poziom modernizmu dzięki malarstwu barwnemu. Ten amerykański malarz powstał w latach czterdziestych XX wieku i uprościł kolor do samodzielnego tematu, na nowo definiując sztukę abstrakcyjną dla następnego pokolenia. Jego obrazy, takie jak „Cztery ciemności w czerwieni” (1958) i „Pomarańczowy, czerwony i żółty” (1961), są równie godne uwagi ze względu na swój styl, co ze względu na duży rozmiar.


Obejrzyj wideo: CO SPRAWIA, ŻE OBRAZ JEST "MALARSKI"? - ABSTRAKCJA 22 cz. 3 vlog #469 (Październik 2022).

Video, Sitemap-Video, Sitemap-Videos